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PHILIP ROTH UNBOUND: Illuminating a Literary Legacy
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Peter Dominguez grew up in Milwaukee, Wisconsin participating in the Music for Youth Orchestras, and performing with his father, pianist and singer Frank DeMiles. His teachers included Willard Feldman and Clyde Russell. Peter went on to study with Roger Ruggeri and Richard Davis at the University of Wisconsin, Madison, where he earned his baccalaureate and masters degrees with a teaching assistantship 1980-82.
In 1981 he was the first recipient of the Milton J. Hinton scholarship competition award. A teaching assistantship and doctoral studies with Dr. Lucas Drew at the University of Miami, Coral Gables followed in 1982-84. Eventually securing positions in both the Florida Philharmonic and Michigan State University, Peter chose MSU, served as Professor of Double Bass and Jazz Studies 1984-96, and was instrumental in developing their Jazz Studies program. During his Michigan years, he continued studies with Robert Gladstone and performed with the Detroit Symphony.
The former Principal Bass with the Lansing Symphony Orchestra and the American Sinfonietta, Peter served as Professor of Jazz Studies and Double Bass at Oberlin Conservatory of Music from 1996-2020 and directed the Oberlin Jazz Septet.
Currently he is Professor of Double Bass and Jazz Studies at the University of Wisconsin- Madison. Having pursued over 48 years of double bass performance practice in a variety of musical styles while appearing in venues through out the Americas and Europe, Peter continues to play with an impressive array of Classical, Jazz, and Latin artists.
His teaching activities include national and international classes, International Society of Bassists conferences, adjudication of international competitions, artistic direction of the Richard Davis Foundation for Young Bassist Inc annual conference in Madison Wisconsin, and the director of the bieannial Milt Hinton Institute for Studio Bass at Oberlin Conservatory. His trio recording How About This with Billy Hart and Rick Germanson is available through CD Baby and his solo recording Groove Dreams performed on Milt Hinton’s famous double bass is available through Oberlin/Naxos music.
Performance History
Classical Double Bass, *denotes Principal Double Bass
Oberlin Faculty 1996-present, * Credo Orchestra 2013 to present, *The American Sinfonietta 1991-2002, St. Petersburg Quartet 1999-2005, *Lansing Symphony Orchestra 1984-1996, Miami String Quartet 1993-1995, Los Angeles Piano Quartet 1989, *Renaud Chamber Orchestra 1987-1990, Detroit Symphony Orchestra 1986, Orchestra of Miami 1984, Miami Chamber Symphony 1983, Fort Lauderdale Symphony 1983
Jazz Double Bass, selected from 1976 to present.
Greg Bandy, Gary Bartz, Marcus Belgrave, Dave Berkman, Gene Bertoncini, Randy Brecker, Lance Bryant, Ann Hampton Callaway, Tony & Dolph Castellano, Carla Cook, Cyrus Chestnut, Pete Christlieb, John Clayton, Richie Cole, Neal Creque, Bill Cunliffe, Richard Davis, Harold Danko, Frank DeMiles, Bill Dobbins, Allen Eager, Eliane Elias, John Ellis, Robin Eubanks, Dominick Farinacci, Tommy Flanagan, Bob Fraser, Carl Fontana, Hal Galpher, Benito Gonzalez, Jamey Haddad, Jerry Hahn, Billy Hart, Eddie Henderson, Jon Hendricks, Paul Horn, Christian Howes, Joe Hunter, Drene Ivy, Carmen Intorre, Teddy Jackson Jr., Jerome Jennings, Jerry Jemmott, Henry Johnson, JJ Johnson, Sean Jones, Geoff Keezer, Ernie Krivda, Eric Lewis, John Lewis, Joe Locke, Mike Longo, Joe Lovano, Mundell Lowe, Rick Margitza, Mike Marshall, Jason Marsalis, Christian McBride, Bobby McFerrin, Jane Monheit, Michael Phillip Mossman, Mark Murphy, Larry Nozero, Ken Peplowski, Houston Person, Bucky Pizzarelli, Della Reese, Rufus Reid, Patti Richards, Chuck Robinette, Vanessa Rubin, Eddie Russ, Randy Sabien, Paul Samuels, Bobby Sanabria, Jack Shantz, Woody Shaw, Louis Smith, Mark Soskin, Clyde Stubblefield, Ira Sullivan, Dan Wall, Donald Walden, Bobby Watson, Jack Wilkins, Larry Willis, and Stevie Wonder
James Blachly es un director ganador del Grammy® dedicado a enriquecer la experiencia del concierto conectándose con el público de maneras memorables y significativas. Se desempeña como Director Musical de la Orquesta Experiencial y la Orquesta Sinfónica de Johnstown, y es un versátil director invitado en diverso repertorio con orquestas. Las actuaciones de Blachly han sido elogiadas por The Guardian por “captar la energía arrolladora y sonora de la música”, mientras que Musical America aplaude su “sentido de delicadeza y reverencia”.
Los recientes y próximos compromisos de dirección invitada de Blachly incluyen la Filarmónica de Nueva York, la Orquesta Sinfónica de Detroit, la Orquesta Filarmónica de Rochester, la Orquesta Sinfónica de New Haven, la Filarmónica Carnegie Mellon y la WDR Funkhausorchester. Otras apariciones recientes incluyen la Sinfónica de Williamsburg, la Filarmónica Bohuslav Martinu, la Filarmónica de Malasia, la Sinfónica de Spokane, la Sinfónica de Portland (ME), la Sinfónica de Danbury y la Ópera Odyssey (Boston), así como actuaciones en Trinity Church Wall Street, Roulette, National Sawdust, Carnegie Hall y Lincoln Center. En las últimas temporadas, ha colaborado con los solistas Paul Jacobs, Michelle Cann, Simone Porter, Charles Yang, Julia Bullock, Dashon Burton, Helga Davis, Sarah Brailey, Andrés Cárdenes, Peter Dugan, Michael Chioldi, Karen Kim, Andrew Yee, y más.
With the Experiential Orchestra (EXO), Blachly has conducted the works of Arvo Pärt at The Metropolitan Museum of Art, invited audiences to dance to Stravinsky’s Rite of Spring and Tchaikovsky’s Nutcracker, sit within the orchestra at Lincoln Center, and engage with Symphonie fantastique and Petrushka with circus choreography at The Muse in Brooklyn. During his most recent season, he led the Experiential Orchestra in a subscription concert at the Phillips Collection, in an immersive performance of Strauss’s Four Last Songs with cellist Andrew Yee and soprano Sarah Brailey, and gave the New York premiere of Julia Perry’s Violin Concerto with soloist Curtis Stewart.
En la próxima temporada, EXO interpretará Passio de Arvo Pärt en la Catedral de San Juan el Divino, continuará con sus innovadores conciertos EXO:Chamber, y estrenará la grabación de estreno mundial del Concierto para violín de Julia Perry con Curtis Stewart como parte de un álbum de grabaciones de estreno mundial titulado American Counterpoint, que también incluye música de Coleridge-Taylor Perkinson y Stewart. American Counterpoint se estrenará en marzo de 2024, marcando el cumpleaños número 100 de Perry.
James Blachly’s reputation as a powerful advocate for undercelebrated composers was sealed with his world premiere recording with EXO of English composer Dame Ethel Smyth’s 1930 masterpiece The Prison. Released on Chandos Records, The Prison won a 2021 Grammy Award and was widely acclaimed by The New York Times, The New Yorker, Gramophone, San Francisco Chronicle, Financial Times, The Guardian, and many others. Blachly is the editor of the new Wise Music Group critical edition that has not only made modern performances and this recording possible, but has also contributed to renewed interest in Smyth’s work. This is the first-ever Grammy Award for music by Smyth, who lived from 1858-1944 and struggled her entire career to have her music judged on its merits rather than on the basis of her gender.
Con la Sinfónica de Johnstown, James Blachly ha dirigido la orquesta en el Memorial del Vuelo 93 por el 20 Aniversario del 11 de septiembre, en una antigua fábrica de acero en un concierto que se presentó en America Inside Out de Katie Couric, y amplió dramáticamente el acceso a la sinfonía en toda la región. Durante sus primeras ocho temporadas con la Sinfónica de Johnstown, Blachly ha enfatizado la construcción de relaciones a largo plazo con líderes comunitarios, la expansión de los programas juveniles y las iniciativas educativas que incluyen presentaciones anuales lado a lado con la orquesta juvenil, el inicio de una competencia de conciertos juveniles y la realización de audiciones para que el talento local se presente con la sinfonía en los conciertos de pops “Johnstown Got Talent”.
Blachly se ha dedicado a usar la música para unir a la comunidad de Johnstown, creando un concierto anual de Martin Luther King Jr. y un concierto del decimosexto de junio en asociación con la NAACP, del cual recibió un elogio. Durante la temporada 2023-24, continúa con su innovadora programación, llevando la sinfonía al legendario War Memorial por primera vez para un concierto de suscripción, llevando la iniciativa educativa Link Up del Carnegie Hall a Johnstown para los Conciertos de los Jóvenes, y expandiendo la serie de conciertos de la JSO en espacios poco convencionales. En el transcurso de su dirección, los conciertos se agotan con frecuencia, las ventas tanto individuales como de abonos de temporada han aumentado en más de 50%, y las donaciones individuales han aumentado 80%, un testimonio de la energía y entusiasmo que ha definido su mandato.
In 2020, Blachly was invited to serve as the Associate Editor and Orchestral Liaison for the African Diaspora Music Project, directed by Dr. Louise Toppin. He has overseen the compilation of a database and website detailing more than 1,300 published works for orchestra by African diaspora composers. At the invitation of founder Charles Dickerson, he assisted in curating a concert celebrating works for orchestra by African Diaspora composers, and was one of six conductors to lead the Inner City Youth Orchestra of Los Angeles at the League of American Orchestras conference. A strong supporter of composers of our time, Blachly has commissioned and premiered more than 40 works by composers including Jessie Montgomery, Courtney Bryan, Viet Cuong, Michi Wiancko, Kate Copeland Ettinger, Tommy Daugherty, Patrick Castillo, Brad and Doug Balliett, and many others.
Dedicado a encontrar nuevas formas de empoderar a las audiencias, Blachly tiene una gran demanda como orador en Listening as Leadership, trayendo su experiencia como director y su pasión por la música a compañías Fortune 500, escuelas y otras organizaciones. También ha dirigido decenas de conciertos educativos para miles de escolares. Durante diez años dirigió talleres y clínicas para la Filarmónica de Nueva York, se desempeñó como Director de Ensamble para el programa OrchKids de la Sinfónica de Baltimore, y dirigió clínicas y apariciones en todo el oeste de Pensilvania para la JSO. De 2010 a 2015, realizó conciertos benéficos de las sinfonías de Mahler con freelancers neoyorquinos para lanzar lo que ahora es Make Music NOLA, un próspero programa inspirado en El Sistema en Nueva Orleans. En 2022, Blachly realizó una residencia artística de una semana en la Universidad Estatal de Montclair con la compositora residente Jessie Montgomery. Durante la residencia, impartió conferencias magistrales sobre composición, dirección y técnicas corales, que culminaron en una actuación inmersiva al estilo de la Orquesta Experiencial. En 2016, Blachly fue el único director de orquesta estadounidense invitado a participar en el Young Director's Showcase como parte de la celebración del 40 Aniversario de El Sistema, y también fue el único director estadounidense en ser invitado como Becario de Dirección en el último año de Maestra Marin Alsop en el Festival de Música Contemporánea de Cabrillo.
Also active as a composer, James Blachly studied at Mannes with Robert Cuckson and privately with Charles Wuorinen and John Corigliano. His compositions have been celebrated as “vigorous and assured” by Chamber Music America and a “splendidly crafted…tour de force” by the Miami Herald, and have been performed at The Stone, Zankel Hall, in an audience for the Pope, and broadcast live on the CBC.
I was born on December 27, 1927 in Othello, Washington, in the living quarters behind my grandparents’ store, Knepper’s Novelty Shop. I spent my childhood in Kirkland, Washington, in the house my dad built at 240 5th Avenue West. I started my musical life with my mother, who taught me to sing and to find my way around the keyboard of her piano.
In the fourth grade at school I learned to play the trumpet. My folks bought it from the Sears. I was also an amateur photographer, and was the official cameraman for my high school annual in my senior year.
I switched from trumpet to baritone horn in the sixth grade, and got to be pretty good on that instrument. I started out on the school horn, and in high school I bought one of my own with wages from after-school jobs. I won honors twice in high school band conferences in Seattle, where I played Herbert Clarke’s “Stars In A Velvety Sky” and “Sounds From The Hudson.”
My school music teacher, Al Bennest, introduced me to jazz by playing Louis Armstrong’s record of “West End Blues” for me. I found more jazz on the radio, and began looking for records. My paper route money, and later, money I earned working after school in a print shop and a butcher shop went toward buying jazz records. I taught myself the alto saxophone and the drums in order to play in my high school dance band
Después de la secundaria, toqué sousafón por un corto tiempo en la Universidad de Washington en Seattle, y cuando me uní al Ejército en 1946, toqué trompa barítono, trombón de válvula y tambores trampa en la 51st Army Band, Fort Lewis, Washington y la Second Army Band, Fort Meade, MD hasta 1949.
When I got out of the Army, I returned to the U of W in Seattle, where I met drummer Buzzy Bridgeford. He had a quartet at the VFW Club (after hours), with Freddy Greenwell on tenor, Betty Christopher on piano, and Doug Goss on bass. I went there every night after my gig playing drums at the Cirque Club, and sat in on bongos.
La bajista Emma Dayhuff ha seguido su pasión musical a lugares mucho más allá de lo que imaginaba desde la casa de su infancia en Sourdough Canyon Road en Bozeman, Montana. Ella realiza giras a nivel nacional e internacional y es egresada del Herbie Hancock Institute of Jazz Performance en Los Ángeles. Emma's Phoenix Ensemble se presentó en el Hyde Park Jazz Festival 2022 y el Madison Jazz Festival 2022. Es miembro del Esthesis Quartet que lanzó su segundo disco, Time Zones, en marzo de 2023, y se presentó como parte del Festival de Jazz de Invierno de Nueva York en enero de 2023. Está en el disco del 2019 Spirit Groove con Kahil El'Zabar y David Murray con quienes se presentó en la primera Celebración anual del Día de la Emancipación en Baltimore en noviembre de 2022 y en el Festival de Jazz Sant'Anna en Cerdeña, Italia en 2019.
Asistió al Conservatorio de Música de Oberlin con beca donde estudió con Peter Domínguez, Eddie Gomez y Billy Hart. Al graduarse, Emma se mudó a Chicago donde encabezó una banda local de funk, realizó giras con una banda de bluegrass, trabajó en la escena blues de Chicago y fue abrazada por la comunidad de jazz vanguardista de Chicago a través de sus mentores Vincent Davis (Roscoe Mitchell, Art Ensemble of Chicago) y Robert Irving III (Miles Davis). La experiencia de Emma en la grabación la llevó a trabajar como ingeniera de grabación para la Orquesta Sinfónica de Chicago durante varios años. Es la ingeniera de grabación para dos estrenos de la Orquesta Sinfónica de Chicago: Mason Bates: Antología de Zoología Fantástica (2016) y Novena Sinfonía de Bruckner (2016) dirigida por Riccardo Muti. En 2015, curiosa por Nueva York, Emma puso su vida en un Subaru y condujo 800 millas al este. Mientras estuvo en Nueva York actuó regularmente con el Cuarteto Victor Goines mientras estudiaba con Gerald Cannon (Roy Hargrove, McCoy Tyner) y Ron Carter.
Emma viajó a La Habana, Cuba en 2016 como mentora con el programa Cuernos para La Habana. Impartió clases a alumnos tanto en el Conservatorio de Música Amadeo Roldán como en la Escuela Nacional de las Artes (la ENA) de La Habana durante 10 días. Desde entonces ha impartido clases magistrales y clínicas en Nueva York, Chicago, Cincinnati, Detroit, Los Ángeles, Australia, Alaska, e inspiró lo que se ha convertido en el Livingston Jazz Festival anual de Montana. Emma ha tenido oportunidades de compartir escenario con Herbie Hancock, Cecile McLorin Salvant, David Murray, Kahil El'Zabar, Helen Sung, Jeff Parker, Dee Alexander, Isaiah Collier, Corey Wilkes, Gretchen Parlato, Robert Irving III, Patricia Barber, La Sociedad Secreta de Darcy James Argue, Victor Goines, Nicole Mitchell, Willie Pickens, Larry Willis, Victor Lewis, El cantante y compositor nominado al Grammy Matthew Santos, el rapero Fem Dot, la bailarina de claqué Jumaane Taylor y el artista de R & B Zeshan B. Emma tiene su sede en la comunidad creativa única de Chicago de artistas sólidos, versátiles y apasionados, y está cursando un Doctorado en Artes Musicales en la Universidad de Wisconsin en Madison.
William “Billy” Hart (nacido el 29 de noviembre de 1940 en Washington, D.C.) es un baterista y educador de jazz que ha actuado con algunos de los músicos de jazz más importantes de la historia.
Early on Hart performed in Washington, D.C. with soul artists such as Otis Redding and Sam and Dave, and then later with Buck Hill and Shirley Horn, and was a sideman with the Montgomery Brothers (1961), Jimmy Smith (1964–1966), and Wes Montgomery (1966–1968). Hart moved to New York in 1968, where he recorded with McCoy Tyner, Wayne Shorter, and Joe Zawinul, and played with Eddie Harris, Pharoah Sanders, and Marian McPartland.
Hart was a member of Herbie Hancock’s sextet (1969–1973), and played with McCoy Tyner (1973–1974), Stan Getz (1974–1977), and Quest (1980s), in addition to extensive freelance playing (including recording with Miles Davis on 1972’s On the Corner).
Billy Hart trabaja de manera constante y enseña ampliamente. Desde principios de la década de 1990, Hart pasa un tiempo considerable en el Conservatorio de Música de Oberlin, y es profesor adjunto en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra y en la Universidad de Western Michigan. También imparte clases particulares a través de The New School y la Universidad de Nueva York. Hart contribuye a menudo al Stokes Forest Music Camp y a la Dworp Summer Jazz Clinic en Bélgica.
He leads the Billy Hart Quartet with Mark Turner, Ethan Iverson, and Ben Street, which has released two albums on ECM Records.
Desde hace más de dos décadas ha estado en escena, bajista/vocalista/productora/dueña de un sello y ahora la cineasta Mimi Jones ha reinado suprema, como mujer lateral de una impresionante coterie de músicos y como líder con tres CDs en su propio sello Hot Tone Music, A New Day (2009) y Balance (2014) —su tercer CD para el sello, Feet in the Mud, siendo su más poderoso, propulsivo, y grabación personal hasta la fecha. “Pies in the Mud para mí significa ser fiel a uno mismo a pesar de tu raza, edad, género, tamaño, etcétera”, dice Jones. “Se trata de encontrar la verdadera alegría dentro de ti mismo, tener una mente y un espíritu abiertos y una conexión con la tierra”.
Jones is supported by an engaging and ingenious collection of musicians: pianist Jon Cowherd (Brian Blade, Cassandra Wilson, Rosanne Cash), drummer Jonathan Barber (Kenny Barron, Kurt Elling, Erykah Badu), and soprano saxophonist Samir Zarif (Jason Marsalis, Nicholas Payton, Aaron Neville).
The jazz world is happy that Mimi Jones is on the scene. Born Miriam Sullivan in New York City on March 25, 1972 of parents from Barbados, she was raised in the Bronx. Jones grew up listening to a variety of music including Al Green, Michael Jackson, Frank Sinatra, Willie Nelson, Earth, Wind & Fire, and more. She took up the guitar at the age of twelve, studying classical guitar with her first music instructor, James Bartow, at the Harlem School of the Arts. She also studied percussion, songwriting, voice, drums, and dance. Jones switched to cello after being accepted at the famed LaGuardia High School of Music and Art because the school because they had no guitar teacher. Band director Justin DiCioccio heard her messing around with an acoustic bass and recruited her to play in the school jazz band, which at the time included budding young lions such as Abraham Burton, Eric McPherson, Walter Blanding Jr., and Michael Leonhart.
“Once I switched to bass, I began listening Jimmy Blanton and Oscar Pettiford. They had their own sound and their individual approach to weaving bass lines and improvisation. Milt Hinton took me under his wing, and gifted me a scholarship to the jazz camp at Skidmore summer camp. He had an early influence on me to sing and play bass,” Jones fondly recalls. “I grew up listening to a lot of Miles Davis, which naturally exposed me to the great Ron Carter, Sam Jones, and Paul Chambers. Later on I experienced the Oscar Peterson trio, which exposed me to Ray Brown. Wow!”
En preparación para la universidad, con ayuda de sus mentores, Jesse Hameen II (alias Cheese), Rodney Jones, Lisle Atkinson y Linda Mcknight Mimi pudieron prepararse adecuadamente para su audición que eventualmente le otorgaría una beca completa en la prestigiosa Manhattan School of Music. Jones studied classically under the tutelage of Linda McKnight and simultaneously attended weekend classes at the Jazz mobile school on Saturday mornings with bassist Lisle Atkinson. She also studied with jazz masters such as Barry Harris, Ron Carter, Milt Hinton, Dr. Billy Taylor, Yusef Lateef, Max Roach, Maria Schneider, and bassist Guillermo Edgehill.
Como embajadora del Jazz, Mimi realizó una gira por África, Europa, Rusia, China, América del Sur y Central, y el Caribe para el Departamento de Estado de Estados Unidos. Su vasto trabajo como acompañante incluye trabajos con Kenny Barron, Lizz Wright, Beyonce, Frank Ocean, Dianne Reeves, Tia Fuller, Ingrid Jensen, Roy Hargrove, Dee Dee Bridgewater, Nona Hendricks, Kevin Mahogany, Corey Glover, Raymond Angry, Marc Cary, Toshi Reagon, Rachel Z, Tammy McCann, Sean Jones, Cyrille ee, Allan Harris, Rudy Royston, Ravi Coltrane, Ralph Peterson y Terri Lyne Carrington, ganador del Grammy Proyecto Mosaico.
Jones launched her own record label, Hot Tone Music, in 2009 which now has produced nine albums thus far. In addition, Mimi Jones co-directs with ArcoIris Sandoval a project called The D.O.M.E. Experience, a multimedia project that is meant to inspire its audience to become aware of environmental and social issues, within the community and globally, by original compositions performed by a 20 piece jazz orchestra, dance and cinematography. Mimi also created an original mini musical production about the great migration and harlem renaissance, with a cast of seven entitled “Next Stop Harlem”. To create more opportunities for herself as well as others she felt should have more exposure, Mimi Jones started up the annual Limitless Music Festival (NYC)in January during jazz convention week. Since 2013, Mimi has been hosting a jazz party/experimental jam called The Lab Session based in NYC, and as of October 2017 will also be hosted throughout multiple cities in the US sponsored by organization called Live it Live, that cultivates the growth of live music by bringing the musicians, the audience and the venues together. Mimi Jones was voted #2 rising star by the DownBeat polls for 3 years straight.
Composer, leader and sideman, bassist Marcus McLaurine has become one of the most sought-after artists in jazz, sharing bandstands with Dizzy Gillespie, Kenny Burrell, James Moody, Lou Donaldson, Dame Cleo Laine, Joe Williams, Jon Hendricks, Abbey Lincoln, and the Count Basie Orchestra under the direction of Thad Jones.
For thirty years, Marcus has toured with the legendary trumpeter Clark Terry. Marcus began traveling the world as a child and never stopped. Born in Omaha, Nebraska, to a military family, his youth saw him in Germany, California, Texas, New Mexico and Utah. After music studies at the University of Nebraska, twenty-two year old Marcus moved to Los Angeles and began playing electric bass in a band with guitar legend Billy Rogers, also an Omaha native. Billy convinced Marcus to hear Gene Harris and The Three Sounds play at The Tiki Lounge. Roland Haynes was playing upright bass, and Marcus was completely blown away by his use of arco. The next couple of weeks found Marcus looking for a bass. He finally bought a $150 Kay Bass in a pawn shop, and began immersing himself in Charlie Parker, John Coltrane, Miles Davis and Cannonball Adderley. Over the next few years in Los Angeles, he honed his skills and landed his first upright bass gig with the Horace Tabscott Pan African People’s Orchestra.
In 1976 Marcus entered the Air Force, became an Airman and was shipped to New Jersey. He joined the 590th Air Force Band, stationed out of McGuire A.F.B., and once again traveled the world, from the eastern seaboard to Portugal. His stint in the band even saw Marcus behind the bass drum, marching down 5th Avenue for the Veteran’s Day Parade. By the time he left the Air Force, he had earned the rank of Sergeant. Once again, a good friend helped fate along. His friendship with Clifford Adams, a world- renowned trombonist and member of Kool and The Gang for over twenty years, lead to Marcus’ first job in New York City. Adams told him, “New York needs bass players,” and Marcus has been there ever since. Then, while playing Carnegie Hall and various music festivals for trombonist Melba Liston, an opportunity came Marcus’ way that would change his life.
In 1981 Clark Terry called Melba looking for a bass player. Melba’s band was free, and she suggested Marcus. One evening at home, the phone rang. Marcus picked it up and the voice on the other end said, “This is Clark Terry.” Marcus immediately thought someone was playing a joke on him. Terry said he needed Marcus to play two gigs – a week at the Blue Note and a week in Canada. Still thinking it was some kind of hoax, Marcus agreed to meet at the Blue Note, and sure enough, it was indeed Clark Terry.
Sin ensayo, Marcus jugó su primer set con Terry. Estaba nervioso, considerando a Terry como un icono. Desde ese día, Terry ha sido padre musical de Marcus. Ha estado con la banda desde entonces. Entre los aspectos más destacados del cuarto de siglo de Marcus con Terry: conocer a Nelson Mandela mientras se presentaba para el 50 Congreso Nacional Africano en Sudáfrica, y la noche que Oscar Peterson se sentó con el quinteto en The Village Vanguard. Marcus ha sido influenciado por los grandes músicos y ha encontrado su propio sonido. “Nunca puedes sonar realmente como nadie, incluso cuando intentas emular ídolos”, dice Marcus. “Durante años traté de sonar como Ron Carter, pero en algún momento tienes que dejarlo ir y dejar que lo tuyo se desarrolle”. Marcus toca lo que siente — escucha la historia y la emoción de la canción y encuentra el fraseo. “Me quedo abierto y dejo pasar el sonido”, dice Marcus. “Dejé que la canción me diga qué tocar”. Ahora, además de su trabajo como líder y sideman de primera llamada, Marcus se centra en su floreciente carrera como compositor, escribiendo tanto jazz como piezas contemporáneas.
Multi Grammy Nominated, Emmy award winning, and Gold record Double Bassist Ranaan Meyer is most known as a founding member and performer with the string trio Time for Three, Founder and Artistic Director of Honeywell Arts Academy, and as a solo performing artist, composer and educator.
In June 2022, Time for Three released an album entitled: “Letters for the Future” on Deutsche Grammophon recording with The Philadelphia Orchestra two concertos titled “Concerto 4-3” by Pulitzer Prize and Grammy award winner Jennifer Higdon and “Contact” by Pulitzer Prize winning composer Kevin Puts. Alongside Time for Three, Ranaan recorded and composed the film scoring for Robin Wright’s Focus Feature film: LAND, and co-produced and recorded on Love Renaissance: Summer Walker’s 2nd album. Tf3 has additionally performed around the world including Musik Verein, Czech Philharmonic, Schleswig Holstein Musik Festival, Hong Kong Philharmonic Orchestra, Sydney Opera House, Royal Albert Hall, Night of the Proms Tour. In North America Time for Three has performed with almost every orchestra, NPR Tiny Desk Concerts, National Anthems at NFL, Nascar, NBA, MLB, and PGA sporting events, and more.
As Founder and Artistic Director of Honeywell Arts Academy Meyer has helped to empower each next generation of emerging artists through a philosophy called “sharing of knowledge”. In 2020 upon completing season 13 of Wabass Institute for the Double Bass, Artistic Director Ranaan Meyer, CEO Tod Minnich, CDO Cathy Gatchel and Program Director Emily Meyer expanded programs for the 2021 season forming the Honeywell Arts Academy. Founded in 2008, Wabass quickly became known to the bass community as a premier summer program. Today, Wabass alumni hold esteemed positions in the Royal Concertgebouw, Metropolitan Opera Orchestra, The Philadelphia Orchestra, Atlanta Symphony, and many more. Others have developed small ensembles and entrepreneurial initiatives like-minded to Time for Three that Meyer often refers to as “misfits of music”. The Institute now approaches season 16, and Wabass alumni are worldwide spreading the “sharing of knowledge.” The evolution of Wabass into Honeywell Arts Academy (now in year 3) is a unique emerging artist, full scholarship summer music institute held annually in Wabash, Indiana expanded into three programs featuring Resonance – Innovative Musicians, Soundboard – Pianists, and the continuation of Wabass Institute – Double Bassists. All fueled by the same mission to foster an inclusive, supportive environment where ideas are free flowing from teacher to student and vice versa which is this philosophy referred to as the “sharing of knowledge”. Each respective component comes together for an intensive period of musical development including what it takes to thrive as a musician and the invaluable effect of spreading the joy of music to positively impact the human spirit. As a National Endowment for the Arts grantee all programs of the Honeywell Arts Academy are full scholarships and funded purely by the generosity of charitable donations and grants.
As a soloist, Ranaan most recently composed his first concerto for double bass and orchestra entitled: ‘Concerto for My Family’ (2021) which is his homage to the people who lifted him up all along the way. It consists of 5 movements and is the essence of Ranaan’s compositional style you can hear through Time for Three from the last 20 years. Spending most of his time developing musically in Philadelphia playing the local jazz clubs with some of the most iconic musicians in jazz today. He also is an alumnus of The Philadelphia Youth Orchestra, Temple Prep, Manhattan School of Music, and the Curtis Institute of Music. Ranaan co-founded Time for Three while at Curtis but prior to Time for Three’s demanding touring schedule he spent several weeks per year performing and touring in the double bass section of The Philadelphia Orchestra. Although his core training was in Classical and Jazz, Ranaan’s curiosity has taken him to multiple genres of music.
Ranaan is in demand around the world presenting workshops in entrepreneurship, improvisation, memorization, performance preparation, teamwork, and overall, outside-the-box learning. He has also recorded on Michael Jackson’s final album earning a gold record and made multiple recordings with NFL films. Most of all, Meyer’s long term vision is to empower the universe to listen through THE SHARING OF KNOWLEDGE and believes if we keep the listening valve turned on there will always be potential.
A veteran of the New York City jazz scene for over 30 years, bassist Bill Moring has established a reputation as one of the city’s most in demand players. The versatile musician has proven himself equally adept at anchoring the big bands of legends Count Basie and Woody Herman, jammin’ jazz/funk and beyond with the Dave Stryker/Steve Slagle quartet or stretching harmonic and rhythmic boundaries with John Hart and Chris Potter.
Bill was born in Ft. Wayne, Indiana in 1958. After high school, he attended Indiana State University for a three semesters, also playing in cellist Hank Roberts group. He began gigging around Indianapolis and Cincinnati at the same time coming under the tutelage of local pianists Claude Sifferlen and Steve Allee. In 1980 he began working with the John Von Ohlen / Steve Allee big band, playing every week at the Jazz Kitchen in Indianapolis, recording a live record that was Grammy nominated.
Bill también tuvo la oportunidad de tocar localmente con notables como Dizzy Gillespie, Slide Hampton, y Cal Collins. Bill se mudó a la ciudad de Nueva York en 1984 e inmediatamente comenzó a trabajar con el baterista Mel Lewis. Su primer concierto en carretera llegó cuando se unió a Thundering Herd de Woody Herman en 1985. En 1986, Bill recibió una Beca de la National Endowment for the Arts para estudiar con Rufus Reid y continuó sus estudios con el legendario Homer Mensch. En 1987, después de una gira con Michel LeGrand, Bill consiguió el concierto con la Orquesta Count Basie y pasó el siguiente año recorriendo el mundo, actuando en los festivales de jazz Hollywood Bowl, el Mar del Norte, Umbría, Grande Parade Du Jazz, y Pori jazz entre otros lugares.
Bill está activo hoy enseñando, grabando y actuando con una amplia variedad de artistas. Otras experiencias de big band incluyen la Village Vanguard Orchestra y la Toshiko Akiyoshi/Lew Tabakin Jazz Orchestra. Ha tocado con reconocidos cantantes como Joe Williams, Mel Torme, Diane Schurr, Dakota Staton, Maxine Sullivan y Susannah McCorkle. Ha tocado con las leyendas del jazz Frank Foster, Al Cohn, Clark Terry, Mickey Roker, Tommy Flanagan, Junior Cook, Roland Hanna, Vernel Fournier, Mel Lewis y Ray Barretto. También ha actuado y/o grabado con muchos artistas contemporáneos como John Abercrombie, Gary Bartz, Manolo Badrena, Larry Coryell, Vic Juris, Dave Kikoski, Billy Hart, John Hart, Eddie Henderson, Joe Locke, Mulgrew Miller, Chris Potter, Dom Salvador, Dave Stryker, y James Williams. Un defensor de la educación musical, Moring ha organizado una variedad de clínicas estudiantiles en varios festivales de jazz de escuelas secundarias y universitarias en los Estados Unidos y en el extranjero y actualmente forma parte de la facultad de la Universidad Estatal de Montclair, Sarah Lawrence College y Jazz for Teens de NJPAC. Además de sus alumnos particulares, ha trabajado con estudiantes de manera individual y en grupos de diversos tamaños en North Texas State, Rutgers, The New School, Jersey City State, Long Island University y SUNY Purchase, entre muchos otros.
Desde que llegó a Nueva York en 1993 procedente de Venezuela, Perdomo se ha perfilado como uno de los sidemen más demandados —como lo demuestra su célebre trabajo con una amplia gama de estrellas del jazz y latinas—, desde Ravi Coltrane hasta Ray Barretto, y por sus seis grabaciones aclamadas por la crítica como líder. El lanzamiento de su magnífico nuevo disco debut discográfico Hot Tone, 22, cuenta con las líneas de bajo flexibles y profundas del bajista Mimi Jones y los ritmos quicksilver del baterista Rudy Royston, en un trío que bautizó como The Controlling Ear Unit. “Quería crear un ambiente donde un jugador sensible pudiera tomar sus propias decisiones musicales, sin temor a las consecuencias”, dice Perdomo. “La palabra 'unidad' es apropiada porque aunque el grupo actual es un trío, realmente no tiene que ser restringido a eso. Podría tener un formato diferente, dependiendo de lo que requiera la música”.
El 22, salvo por su elegante interpretación de la clásica balada de los Bees Gees “How Deep is Your Love”, Perdomo entrega un impresionante conjunto de composiciones originales, en su mayoría inspiradas en sus pueblos adoptivos y nativos, y ese misterioso número.
“2015 marca mi vigésimo segundo año viviendo en la ciudad de Nueva York, y dejé mi ciudad natal cuando tenía veintidós años”, dice. “Recordé el momento exacto en que me mudé, y las sensaciones que había tenido en ese momento... especialmente durante los dos últimos días en Caracas y los dos primeros días en la ciudad de Nueva York. Ahí otra vez, vi la fórmula dos y dos, y me di cuenta de que ahí había un tema poco recurrente. Entonces empecé a anotar todos esos recuerdos y tratar de transmitirlos a través de la música: traduciendo algunas fechas que eran muy significativas para mí en notas”.
El pianismo lírico y lógico de Perdomo encarna el bop-at-the-speed-of-swing de Bud Powell, la brillantez técnica de Oscar Peterson y el genio melódico de Ahmad Jamal. Y su técnica compositiva número-into-notas, que aprendió de Richard DeRosa, instructor de su Alma Mater, la Manhattan School of Music, forma la base de dos canciones: “Cota Mil” un funky, laberíntico número ranurado patanemo-ranurado que lleva el nombre de una prominente carretera al norte de Caracas, que deriva sus motivos compositivos de las fechas de la Batalla de Independencia de Venezuela en 1821 y la Batalla de la Juventud/Batalla de la Juventud en 1814. El marcial, “Days Gone Days Ahead”, se inspiró en el día en que Perdomo obtuvo su visa de estudiante estadounidense el 13/8/93.
El resto de temas del CD muestran la infinita variedad de la musicalidad de Perdomo. “Love Tone Poem” es una melancólica balada de 5/4 metros dedicada a Jones, y “Two Sides of a Goodbye” es una obra fúnebre y vanguardista que evoca la melancolía de Perdomo cuando dejó a su familia en el aeropuerto de Venezuela. En contraste, “Old City” es un retrato sonoro uptempo de un Manhattan no gentrificado de principios de los noventa, donde reinaban supremos clubes de jazz como Bradley's, The Village Gate, Fat Tuesday y Sweet Basil's. El sonido evocador de Perdomo en el Fender Rhodes también aparece en el backbeat hinchable de “A Different Kind of Reality”, el contrapuntístico “Light Slips In”, “Brand New Grays” y el funkificado “Looking Through You”.
Dos temas, “Weilheim (a Gerry Weil)” una reverente pieza de tempo medio dedicada al primer maestro de Perdomo, el pianista/educador de jazz nacido en Austria Gerry Weil, y “Aaychdee (a Harold Danko)”, que lleva el nombre de la editorial de jazz Danko”, son los gritos sónicos de Perdomo a sus antiguos profesores de piano. “La mayor lección que recibí de Gerry Weil en Venezuela, fue mantener mi mente abierta a todo tipo de música”, dice. “Con Harold (que era su instructor en MSM), esa fue la primera vez que realmente escuché jazz desde un punto de vista estadounidense. Eso fue una revelación total para mí”.
Born in 1971 in Caracas, Perdomo, from the age of 12, was playing on Venezuelan TV and radio stations, but he eventually realized that he would have to travel to New York City to fulfill his musical destiny. “Being in a more competitive and challenging environment was a big change that I welcomed,” he says.
In 1993, Perdomo relocated to New York and enrolled with a full scholarship to the Manhattan School of Music, where he studied with Harold Danko and classical pianist Martha Pestalozzi, and earned his earned his BA Degree in 1997. Perdomo later studied with pianist extraordinaire, Sir Roland Hanna at Queens College, and received his Masters Degree in 2000. “Studying with Sir Roland Hanna …“I began to look at jazz and classical music in a new and more in-depth way and my playing evolved accordingly,” he says. Perdomo has appeared on over two hundred records, and has become a first-class sideman to artists like Dave Douglas, David Sanchez, Tom Harrell, Steve Turre, Ben Wolfe, Ray Barretto, Brian Lynch, David Gilmore, Conrad Herwig, Ignacio Berroa, Ralph Irizarry and Timbalaye and other great musicians. He was a member of Ravi Coltrane’s Quartet for ten years, and is a founding member of the Miguel Zenon Quartet. Perdomo recorded on three Grammy-nominated CD’s: Coltrane’s Influx, and Zenon’s Esta Plena, and Alma Adentro: The Puerto Rican Songbook.
Las grabaciones de Perdomo como líder incluyen: Focus Point (2005), Awareness (2006), Pathways (2008), la aclamada por la crítica Universal Mind (2012), con Jack DeJohnnette y Drew Gress, The Infancia Project (2012) y Links (2013).
Lo que nos lleva a 22: una grabación increíble que muestra lo lejos que ha llegado Luis Perdomo y pronostica hacia dónde va.
Rufus Reid es uno de un puñado de verdaderas figuras renacentistas en las Artes. Este bajista y compositor tiene una presencia activa en el mundo del jazz desde la década de 1970. Ha grabado más de 500 discos, 25 bajo su propio nombre, con Danza Terrestre y Siempre en el momento lanzado en vinilo por Newvelle Records. El lanzamiento del CD de 2022, Celebración, cuenta con el trío de jazz con un cuarteto de cuerdas. Reid se puede escuchar en grabaciones con Dexter Gordon, Andrew Hill, The Thad Jones/Mel Lewis Quartet, Kenny Barron, Stan Getz, J.J. Johnson, Lee Konitz, Jack DeJohnette y muchos otros.
Reid has written for strings, chamber ensembles, solo bass, jazz ensembles of varying sizes and symphony orchestras and has had the privilege of having all of them performed.
Su reputación como educador es igual a la de sus logros musicales. Su libro El bajista evolutivo (Myriad Limited, 1974) sigue siendo el estándar de la industria para la metodología del contrabajo. Reid y el Dr. Martin Krivin crearon el Programa de Licenciatura en Música en Estudios de Jazz y Performance en la Universidad William Paterson. Este programa ofreció la primera Licenciatura Profesional Académicamente acreditada en Música en Estudios de Jazz en el área tri-estatal NY, NJ, CT.
Ha recibido la prestigiosa beca John Simon Guggenheim Memorial Foundation y la Beca MacDowell Colony entre otras. Su lanzamiento de 2014, Quiet Pride – The Elizabeth Catlett Project, recibió dos nominaciones al Grammy; a Mejor Ensamble Grande de Jazz y a Mejor Composición Instrumental.
Rufus Reid sigue siendo el bajista evolutivo.
Un consumado acompañante, un educador visionario y un compositor notable, el bajista Rufus Reid posee uno de los tonos más ricos y generosos del jazz actual. Como artista, Rufus Reid define evolución y crecimiento. En el contrabajo, parece haber alcanzado el pináculo de la maestría en su instrumento solo para empujar más la envolvente melódica, rítmica y armónica cada vez que lo escuchas.
“Como líder, sabe exactamente cómo dar ritmo a un programa para satisfacer a una audiencia y a los músicos. Se extiende y toca a la gente — su forma de tocar es contagiosa. La diversión comienza con él en el quiosco de música y se derrama entre el público”, señaló Billy Taylor, describiendo a Rufus Reid. Como improvisador, Reid es sin duda un genio. Su banda de larga data con el baterista Akira Tana, TanaReid, fue una de las bandas de post-bop más emocionantes de los años 90, y sorprendentemente, Reid solo ha mejorado desde entonces.
Quiet Pride – The Elizabeth Catlett Project was released in 2014 to critical acclaim by Motéma Music. Quiet Pride is a masterwork composed, arranged and conducted by Rufus Reid for a 20-piece orchestra. This CD received two nominations for the 57th GRAMMY Awards ~ Best Large Jazz Ensemble and Best Instrumental Composition for ‘Recognition’ the first movement of this suite. This five-movement suite honors five iconic sculptures by Elizabeth Catlett, a revered multi-media artist, human rights activist, and African-American heroine of the highest order, whose work is featured in museums and public places around the country. This magnicifent work is the culmination of The Beverly and Dr. Raymond Sackler Composition Commission Rufus received in 2006. “My purpose in recording Quiet Pride – The Elizabeth Catlett Project was to create a definitive, professional recording, for people who love art and who love music. It will also be an excellent educational tool as I continue my residencies and performances at colleges and universities internationally. Quiet Pride has enriched my life about what I do and why I do it.”
El CD Motema 2011 de Reid, “Hues of a Different Blue”, es potente y refrescante. Además de The Out Front Trio con Rufus Reid, Steve Allee y Duduka Da Fonseca, Hues of a Different Blue emplea los talentos sustanciales de otro brasileño, el guitarrista Toninho Horta, el veterano saxofonista alto Bobby Watson, el trompetista en ascenso Freddie Hendrix y el talentoso J.D. Allen. Reid dice: “Al diseñar estos arreglos, mi objetivo era presentar el sonido único del trío y la voz única de cada invitado, de maneras inesperadas que ofrecieran una nueva experiencia musical para cada jugador, y una nueva sorpresa emocionante para ti también”. Al hacerlo, Reid ha creado un álbum de música que mejor se puede describir con una palabra, inolvidable; claramente para los músicos, pero lo más importante, para los oyentes.
Lanzado por Motéma Music en marzo de 2010, Out Front es una celebración de la fenomenal química del trío y la inmensa alegría compartida entre los músicos y su público. La inspiración llena cada hendidura de la música, y la banda suena demasiado feliz para estirarse “mucho más allá de los límites del bebop”, como observa Reid en sus notas. Reid es un líder democrático, y Allee y Da Fonseca responden a la música de Reid con algunas de sus mejores actuaciones individuales. Sin embargo, Reid sabe cuándo captar el centro de atención, como en sus potentes improvisaciones en solitario de bajo: Reid puede ser uno de los pocos que puede llamar la atención extendida en la forma. Cuando se le preguntó por Rufus, los ojos de John Pattituci comenzaron a bailar. “Rufus es un sabio, amable, muy dotado y sabio. Él me ayudó a establecer mis prioridades sobre lo que significa ser bajista de jazz y mi papel como fuerza fundacional/compositiva en la música. Como maestro del jazz, más gente debería estar expuesta a él como el artista, personalidad y animador que es. Es elocuente, ingenioso, encantador y un gran embajador de la forma de arte. Incluso si no saben nada de jazz, la gente queda cautivada por la forma natural y atractiva en que se presenta a sí mismo y a la música”.
La carrera profesional de Reid comenzó en Chicago y continuó hacia afuera para abrazar al mundo. Habiendo sido el bajista de elección de decenas de grandes artistas, entre ellos Dexter Gordon, Stan Getz, Thad Jones & Mel Lewis, Nancy Wilson, Eddie Harris, Art Farmer y muchos otros, Reid ahora ha tomado la delantera. Es uno de los principales bajistas de hoy en la escena internacional del jazz. Sus reseñas obtienen comentarios como, “hipnotizantes”.
Una vez que termines de escuchar Quiet Pride la primera vez, definitivamente querrás volver al principio. Esta es definitivamente una grabación que te hace pensar, un sello distintivo de todo buen arte.
Maria Miaoulis, El café de las celebridades
Una obra monumental e inspiradora de un gigante de la improvisación... ¡Impresionante! [Orgullo silencioso]
Brent Black, Jazz crítico
Aquí [Quiet Pride], la música de Reid es realizada por 20 músicos, la mayoría de ellos, como el baterista Herlin Riley, músicos estándar. Sin embargo, es su propia voz como compositor, tan distintiva como la que proyectó como bajista, la que hace grandes declaraciones a partir de gestos mayormente sutiles.
Larry Blumenfeld, Notas azules
Un poco más de atención es merecida por el Quinteto “Out Front” de Rufus Reid, con el conocido pianista-líder de banda local Steve Allee en el teclado. El bajo acústico de Reid tenía un sonido cálido y envolvente, el cual derrama generosamente como base armónica de la banda y en solos como el que se rodó a lo largo de “If You Called See Me Now”. El set concluyó con la animada “Glory” de Reid, y su interpretación reflejó esa calidad en toda la banda. (Festival de Jazz de la India)
Jay Harvey, La estrella de Indianápolis
Rufus Reid en el bajo vertical tocar con el propio de Indianápolis Steve Allee fue fascinante.
Diario de Negocios de Indianápolis
Si Reid va a ser estilísticamente encasillado, entonces es sin duda el bajista lírico más importante que vive hoy en día. El lirismo, el poder y la delicadeza del Trío Rufus Reid continuaron a lo largo de todas y cada una de las piezas tocadas ese día y hasta la noche, mientras el sol se hundía en el Pacífico. La mayoría de las veces un bajo acecha en el fondo a menos que esté tomando un solo, pero no cuando Reid lo está tocando. Cuando todo estaba dicho y hecho, el público se puso de pie con aplausos iguales a algunos de los intensos crescendos escuchados a primera hora de la noche, con varios llamados para un bis. Reid hipnotizó a todos con una interpretación en solitario de “Sofisticated Lady” de Duke Ellington, con el público chasqueando los dedos al tiempo con su bajo. Fue la manera perfecta de terminar un gran concierto como solo un maestro músico de jazz puede presentar.
Bill Leikam: Todo sobre el jazz
“El compromiso de Reid dirigiendo su propio grupo el martes por la noche en el Jazz Showcase ofreció una rara oportunidad de escuchar a un formidable artista dar un paso a la vanguardia. La actuación resultó inmensamente atractiva, aunque a menudo de maneras sorprendentes. Reid dirigió a esta banda en una velada de elegante, suntuosa y exquisitamente discreta interpretación de conjunto.
Con perspicacia, Reid ha elegido colaboradores bien equipados para articular su estética para este grupo. Cada uno de los músicos de esta organización tomó su ejemplo de Reid, quien sonó tan radiantemente lírico en esta ocasión como este oyente lo ha escuchado alguna vez. En declaraciones en solitario, Reid produjo frases tan delicadamente dibujadas y sutilmente matizadas que sugerían el trabajo de un vocalista de voz suave cantando a un público de uno.
Reid se ha convertido en uno de los principales educadores de los últimos treinta años. Su compromiso con la educación y la comunicación de la historia del jazz es insuperable. En efecto, difícilmente es posible separar su exuberancia en el quiosco de música de su labor como educador, y sus interpretaciones y conferencias sirven a este objetivo común. Como ha señalado el Dr. Billy Taylor: “Mira a quién le ha enseñado, ahora protagoniza por derecho propio, y a otros instrumentistas que se han beneficiado de la riqueza de información que comunica como segunda naturaleza”.
Rufus Reid ha pasado gran parte de su carrera avanzando en la educación del jazz. Su pasión por la música y su método único de enseñar y relacionarse con diversos grupos de edad lo hacen muy especial. Ha inspirado a los estudiantes a desempeñarse más allá de sus propias expectativas. Reid continúa trabajando con The Jamey Aebersold Jazz Camps, The Stanford University Jazz Workshop, The Richard Davis Foundation for Young Bajsists y el Stean's Institute for Young Artists de Ravinia.
La saxofonista Jane Ira Bloom declaró: “No importa lo que Rufus haga, ya sea enseñando, tocando o componiendo — habla bajo desde el corazón. Su sinceridad impregna todo lo que hace”.
Reid y el Dr. Martin Krivin desarrollaron el plan de estudios para el programa de grado The Jazz Studies and Performance en la Universidad William Paterson en Wayne, NJ. Rufus se desempeñó como Director de The Jazz Studies and Performance Program durante veinte años, completando su mandato en 1999. El Programa WPU Jazz sigue siendo considerado uno de los mejores del país para el aspirante a estudiante de jazz.
Reid viaja por todo el mundo como artista invitado interpretando sus composiciones con conjuntos tanto pequeños como grandes, realizando talleres y clases magistrales. Su libro, The Evolving Bassist —en publicación desde 1974— sigue siendo reconocido como el método de bajo estándar de la industria. En 2000 se publicó una edición milenaria, y en 2003 se estrenó una adaptación en DVD.
En 1998, se le pidió al Sr. Reid que ayudara a crear y fungir como Director Musical para el estreno del Programa Jazz For Teens NJPAC/WBGO, un nuevo programa educativo patrocinado por el Centro de Artes Escénicas de Nueva Jersey en colaboración con Newark Public Radio.
From 1980 to 1985, Rufus was on the music panel of The National Foundation For the Advancements In The Arts, leading the ARTS Program (Art Recognition and Talent Search), for graduating high school students.
En la actualidad, Rufus Reid combina su amor por la enseñanza con su amor por la composición. Ahora culmina sus Residencias Universitarias con un concierto de su música. Tiene música para Big Bands, Small Groups, y Bass Enembles. Rufus trabajará con los alumnos, haciendo talleres y ensayando grupos pequeños, big bands y conjuntos de bajo. Al final de la semana hay un concierto con todos actuando. Él lleva varios años haciendo esto y encuentra que el enriquecimiento que reciben los estudiantes es verdaderamente gratificante.
Initially, Harold Danko, of The Eastman School of Music reached out to Rufus in 2006 to come for a week long Residency that would finish with a concert, performing only Reid’s music. It was wildly successful. Reid Conducted a live Internet connected interactive bass class that was shared with Peabody. (Eastman School of Music has an ongoing relationship with Peabody Conservatory) This was their first Master Class via Internet. At a later date, Rufus visited Peabody for this same special Residency with Concert, and again did a live Internet Bass Master Class, this time interacting with Eastman School of Music. Admittedly, this was a special event, but it showed Rufus how valuable the extra time spent with students truly can be. And it proved that Reid’s music was accessible, interesting and fun for everyone, from performer to listener.
A través de una “programación brillante y convincente” (The Strad), Sam Suggs reúne materiales musicales a través de la composición, la re-composición y la improvisación, fundiendo barreras de género y estilo con interpretaciones frescas y háctiles transiciones entre viejos y nuevos mundos del sonido, coloreados por la fisicalidad única y la inquietante resonancia del contrabajo y guiando al público a través de territorio desconocido con la suave paleta de su voz.
Sam es el primer bajista solista en 36 años en unirse a la lista del Concert Artists Guild, y recientemente fue reconocido con un premio a Creatividad Extraordinaria en el Concurso Internacional de Contrabajo de la Fundación Bradetich 2017.
A paradigm-shifting bassist-composer, Sam was named ‘New Artist of the Month’ (October 2015) by Musical America after winning 1st place at the 2015 International Society of Bassists Solo Competition while performing many original works.
Como bajista colaborativo, se ha presentado en el Mostly Mozart Festival, Yellow Barn, Chamber Music Northwest, Lincoln Center, Carnegie Hall, el Kennedy Center, y con el Argus Quartet, PubliQuartet, Founders, Frisson Ensemble (compositor en residencia), y su trío de jazz contemporáneo Triplepoint.
Originario de Buffalo, NY y candidato a doctorado en la Escuela de Música de Yale, Sam pasa su tiempo entre el noreste y el valle de Shenandoah actuando con varios grupos de cámara, crossover y contemporáneos, dando recitales y clases magistrales, y enseñando a tiempo completo como profesor asistente de bajo en la Universidad James Madison, así como en el Instituto Heifetz, Peabody Bass Works, Sewanee Summer Music Festival y el Programa de Cuerdas de Verano Juilliard en Shanghai.
Jennifer Vincent, bajista y violonchelista, ha sido una fuerza activa en la escena musical de la ciudad de Nueva York durante más de una década. Ella toca y ha tocado y realizado giras con artistas como Betty Carter, Abbey Lincoln, el famoso Boy's Choir de Harlem, Willie Martinez y La Familia, Son Sublime, la Orquesta Xavier Cougat, el Septeto Roberto Rodríguez, Carmen Lundy, Harry Whitteaker (director artístico y teclista de Roberta Flack desde hace mucho tiempo), Jon Hendricks, la Orquesta Duke Ellington, y muchos otros jazz y latín notables.
El sonido de Jennifer se ha caracterizado como “Cheerfully Blantonian” por la Voz del Pueblo. Sus líneas de bajo aparecen en el 75 aniversario de NBC “Cosby Show Retrospective”, y se la puede escuchar en comerciales de Lipitor, Marriott Hotels y Olive Garden. Ha tocado en muchas bandas sonoras de películas, incluyendo “90 Miles”, película que ganó el premio al Mejor Documental en el Festival de Cine de La Habana 2003. Ha aparecido en “City Arts”, ha viajado a Sudamérica como Embajadora de Jazz para el Departamento de Estado y toca para la serie “Meet the Artist” del Lincoln Center. All About Jazz tiene esto que decir sobre ella: “La bajista Jennifer Vincent demuestra que puede quedarse con cualquiera cuando se trata de conseguir un bajo para cantar...”
Jennifer, quien comenzó como violonchelista de formación clásica en el Conservatorio de Oberlin, se siente igualmente cómoda en el jazz, el jazz latino y los modismos musicales tradicionales cubanos. Sus maestros de bajo incluyen al ícono del jazz Ron Carter, Andy Gonzales, Ed Bennett, Buster Williams, y la leyenda del bajo cubano Orlando “Cachaito” López del Buena Vista Social Club, con quien viajó a Cuba para estudiar.
Jennifer delves into music that utilizes West African, Japanese, and Middle Eastern influences with artists such as Sogbety Diomande form the Ivory Coast, the Pan-Asian Chamber Jazz Ensemble, and Algerian pianist Maurice el Medioni’s “Descarga Oriental”, which won the 2006 BBC Music Award for Best World Crossover. According to Songlines World Music magazine, “Vincent’s thick, measured New York Latin Bass, so different from anything el Medioni has previously recorded with, is perfect!”. For the past 5 years she has been touring the world over with the Duke Ellington Orchestra, carrying on the tradition of the longest-running and most legendary jazz orchestra in American history.
When it comes to black music, Washington, D.C. produces its share of game-changers. That long list includes Duke Ellington, Chuck Brown, Marvin Gaye, Shirley Horn, Roberta Flack, Bad Brains, Meshell Ndegeocello, Wale, and Oddisee. You can add Ben Williams to that venerated roster.
For more than a decade, Williams has steadily become one of the most acclaimed and versatile bassists in modern jazz. In 2009, he won the Thelonious Monk International Jazz Competition. He has performed/recorded with such giants as Pat Metheny, George Benson, Stefon Harris, David Sanborn, Lauryn Hill, Wynton Marsalis, Robert Glasper, Maxwell, and Nicholas Payton. In 2013 and 2015 Williams received the DownBeat Magazine Critics Poll Rising Star Award for Bass. Williams became a “Rising Star” when he won the 2009 Thelonious Monk International Jazz Bass Competition Award that landed him his first record-deal with Concord Records. Thereafter, he recorded and released State of Art in 2011 with his band, Sound Effect. The Album received an impressive 4.5 Star Review in DownBeat Magazine and reached #1 on the charts of iTunes and the National BillBoard. He was named the 2011 iTtunes Breakthrough Artist of the Year in the category of jazz.
Como líder, Williams reveló su talento como un entusiasta compositor y líder de banda en sus dos primeros álbumes de Concord Records — State of Art (2011) y Coming of Age (2015). Por apasionantes que sean esos álbumes, no te preparan para el álbum más nuevo de Williams, I AM A MAN, lanzó Rainbow Blonde, un nuevo sello co-propiedad del cantante, compositor y espíritu afín, José James. Sonómicamente, el nuevo disco se aparta grandiosamente de los ajustes instrumentales mayoritariamente acústicos de sus discos anteriores. Williams impregnó sutilmente su amor por el R & B moderno y el hip-hop y su conciencia sociopolítica sutilmente en State of Art y Coming of Age. Pero en I AM A MAN, los pone en primer plano con canciones hipnotizantes centradas en la voz que seguramente elevarán su perfil más alto en los círculos modernos de soul y rap.
Con la ayuda del ingeniero de sonido Brian Bender, I AM A MAN presume de un sonido húmedo y nebuloso que recuerda los álbumes Soulaquarian lanzados por The Roots, Erykah Badu, Bilal, D'Angelo, Common y RH Factor de Roy Hargrove. “Quería hacer de esto no solo una declaración musical, sino sónicamente, quería profundizar en un sonido diferente. Tuvimos la oportunidad de trabajar en el estudio para elaborar algunos sonidos. Lo que escuchas es la brillantez de Brian con la ingeniería. Quería que este disco tratara del pasado, presente y futuro”, dice Williams.
Buster Williams is a prodigious artist whose playing knows no limits. He has played, recorded and collaborated with jazz giants such as Art Blakey, Betty Carter, Carmen McRae, Chet Baker, Chick Corea, Dexter Gordon, Jimmy Heath, Branford Marsalis, Wynton Marsalis, Gene Ammons, Sonny Stitt, Herbie Hancock, Larry Coryell, Lee Konitz, McCoy Tyner, Illinois Jacquet, Nancy Wilson, Elvin Jones, Miles Davis, the Jazz Crusaders, Ron Carter, Woody Shaw, Sarah Vaughan, Benny Golson, Mary Lou Williams, Hank Jones, Lee Morgan, Jimmy Rowles, Hampton Hawes, Cedar Walton, Bobby Hutcherson, Billy Taylor, Sonny Rollins, Count Basie, Errol Garner, Kenny Barron, Charlie Rouse, Dakota Staton, Kenny Dorham, and Freddie Hubbard, to name a few.
Mr. Williams has recorded soundtracks for movies including Les Choix des Armes; McKenna’s Gold with Gregory Peck; David Lynch’s, Twin Peaks ”Fire Walk With Me”; Spike Lee’s Clockers, and more. Television commercials include Coca-Cola, Old Spice, Tott’s Champagne, Prudential Insurance, Chemical Bank, Alpo Dog Food, HBO, and Budweiser Beer. TV shows include an appearance on the Johnny Carson Tonight Show, with Errol Garner; and the Jay Leno Tonight Show, where he performed five of his original compositions with the Branford Marsalis Tonight Show Band. Other television shows include Sesame Street, with Joe Williams; A&E (Arts and Entertainment), with Bill Cosby; The Joan Rivers Show, with Bill Cosby; The Andy Williams Show, with Nancy Wilson; the Joey Bishop Show; the Grammy Awards, with Herbie Hancock, Tony Williams and Bobby McFerrin; the Mike Douglas Show; the Today Show; etc.
Awards include a Grammy in 1979; the Min-On Art Award; the SGI Glory Award the SGI Cultural Award; the RVC Corporation RCA Best Seller Award; NEA recipient; New York Fellowship Grant; 5 Stars from Downbeat magazine for the album Crystal Reflections , listed in Who’s Who in Black America; and numerous proclamations.
Charles Anthony Williams, Jr. (nickname: Buster) was born in Camden, New Jersey on April 17, 1942. His mother, Gladys worked as a seamstress and his father, Charles Anthony Williams, Sr. (nick-name: Cholly), a bassist, worked various day jobs to support his five children, and at night played gigs to support his musical spirit. “He would prepare my lessons for me,” Buster recalls, ” and when I got home from school I was supposed to practice, then he would listen while he was eating his dinner. It was an unwritten law that I had to play it right or hear about it. I was going to be the best. I had no choice. In those days, instead of a two-car family, we were a two bass family. My father was a fan of Slam Stewart, and he strung his basses the way Slam did. Instead of the regular G-D-AE, he strung a high C; i.e., C-G-D-A. Adding the C string puts the playing of higher-pitched passages at a more comfortable position. He told me, ‘If I re-string my bass for you, you’d better be serious!’”
And Buster indeed was serious. In 1959 he began working with Jimmy Heath whose quartet included Sam Dockery on piano and the legendary Specs Wright on drums. What I learned from Jimmy about music and life was so valuable that bits and pieces of that experience continue to unfold even now. It was like taking a Time release “capsule of knowledge.” At the age of age 17, he began playing with Gene Ammons and Sonny Stitt, just one month after graduating from Camden High School in 1960, and stayed with them for a year until the band got stranded in Kansas City. My parents had told me to always keep my train fare home tucked away in a bible, which they had given me. Well this was great lookin’ out, but I would probably never have a problem, I thought. Wrong. When the problem did occur I was out on the road broke. Gene Ammons had run off with all the money and nobody got paid. Fortunately, I, along with the piano player and drummer was able to work a week with Al Hibbler, and thereby earn my train fare back home.
Back home in Camden, Buster took some courses in Composition and Harmony and Theory at Combs College of Music in Philadelphia. Then came a gig in Wilmington, Delaware with the Gerald Price Trio. Dakota Staton heard the trio and hired them on the spot. In 1962, he moved on to work with singer Betty Carter, and then Sarah Vaughan, who took him on his first European tour. He was 20 years old, on the French Riviera, and meeting musicians who would figure heavily in his future—Miles Davis, Ron Carter, Herbie Hancock, George Coleman, and Tony Williams. His big, deep, resilient and inventive playing since then has made him the bassist of choice throughout the jazz world.
In 1964 he joined Nancy Wilson, got married, and moved out to L.A. He continued to work with Nancy until he decided to return to New York in October of 1968. About 5 or 6 albums came from this relationship. During this time he also worked with and recorded 5 albums with the Jazz Crusaders; worked and recorded with Miles Davis; played with Kenny Durham and was in demand as first call for recording studio; TV, and movie dates.
As soon as he returned to New York he began working with Art Blakely, Herbie Mann, Herbie Hancock and Mary Lou Williams. This worked fine until gigs started to conflict and Buster was forced to choose. He chose to stay with the Herbie Hancock sextet which consisted of Herbie, Buster, Johnny Coles, Garnet Brown, Joe Henderson, and Tootle Heath. Between 1969 and 1972 the group metamorphosized into the final personnel: Benny Maupin, Billy Hart, Eddie Henderson, Julian Priester, and Patrick Gleason on Moog synthesizer, Herbie, and Buster.
In 1980, he was nominated for a Grammy Award for his contribution to the album “Love For Sale”/The Great Jazz Trio, with Hank Jones and Tony Williams. His arrangements and compositions have been recorded by Roy Ayers, Roy Hargrove, Art Blakely, Larry Coryell, Freddie Hubbard, Buck Hill, the Jazz Crusaders, Mary Lou Williams, and Herbie Hancock, Somewhere in the early’80’s, Buster did a tour with Herbie and Tony Williams which included the young, fresh, new on the scene trumpeter, Wynton Marsalis. Then Herbie formed a trio of himself, Buster and Al Foster on drums. For certain summer tours, Branford Marsalis, Michael Brecker, or Greg Osby were added. The trio continued working together until 1995. Also during this period there was a Grammy appearance which featured a quintet made up of Buster, Herbie, Tony, and Bobby McFerrin. In 1989, Buster recorded an album of his compositions that featured Wayne Shorter; Herbie, Al, and a brilliant trumpeter named Shunzo Ono. This project entitled “Something More,” was released on the IN+OUT lable and became the catalyst for Buster to form his own group which he calls “Something More.”
In 1991 he was awarded a National Endowment for the Arts grant to compose and perform a work for quintet, string ensemble and vocal chorus. Also that year he received a New York Foundation for the Arts Fellowship Grant.
Before forming the Buster Williams Quintet “Something More” he was a member of the world renowned cooperative quartet, Sphere, which consisted of pianist Kenny Barron; drummer Ben Riley; Buster Williams; and the late tenor saxophonist Charles Rouse. Then came his work with ”The Timeless Allstars”, featuring Buster; Cedar Walton; Billy Higgins; Curtis Fuller; Harold Land; and Bobby Hutcherson.
“After working almost continuously for 30 years as a sideman,” says Buster, “I decided it was time to take the plunge, step up to the front, play my music, and express my concept of a cohesive musical unit. I’ve served my apprenticeship under many great masters and feel that it’s my honor and privilege to carry on the lineage that makes this music such an artistically rich art form.
El bajista y compositor Martin Wind nació en Flensburg, Alemania en 1968 y se mudó a Nueva York en 1996 para estudiar en la Universidad de Nueva York (NYU) con una beca del Servicio Alemán de Intercambio Académico. In 1995 he earned himself a diploma as Orchestra Musician at the Music Conservatory in Cologne, Germany while studying with Prof. Wolfgang Güttler, former bassist with the Berlin Philharmonics. In 1998 he earned his master’s degree in Jazz Performance and Composition studying with Mike Richmond, Jim McNeely, Tom Boras, Mike Holober, and Kenny Werner.
Desde su traslado a Nueva York Martin se ha convertido en un habitual en todos los principales clubes de jazz y también está en demanda como músico de sesión; sus créditos incluyen películas como “The Alamo”, “Cruelty Intolerable”, “Mona Lisa Smiles”, “Fur”, “True Grit”, “Las aventuras de Walter Mitty”, y “Gemini Man”. En 1995 Martin quedó tercero en el Concurso Internacional Thelonious Monk Bass en Washington, D.C. In 1996 Martin Wind won the first Cognac Hennessy/Blue Note Jazz Search in Germany with his trio “Dreiklang” and got to record an album for Blue Note Records. In 2000 he was the first jazz musician to win the Cultural Award of his home state Schleswig-Holstein.
Martin ha lanzado más de 20 discos como líder/co-líder incluyendo su álbum debut “Gone with the Wind” (1993), grabaciones de cuarteto “Salt & Pepper” (2007) y “Get it?” (2009), así como el álbum orquestal “Turn out the Stars — música escrita o inspirada por Bill Evans” (2014) con Scott Robinson (saxo tenor), Bill Cunliffe (piano) y Joe La Barbera (batería), que Paquito D'Rivera calificó de “repugnantemente hermoso”. Estrenos más recientes incluyen “Light Blue” (2018) y “White Noise” (2020), y “My Astorian Queen” (2021) en celebración del 25 aniversario de su traslado a la ciudad de Nueva York. En 2022 presentó un nuevo proyecto, el New York Bass Quartet: en su reseña de 4 ½ estrellas para la revista Downbeat, Bill Milkowski lo calificó de “manifiesto bajo”.
Actualmente Martin es miembro de los tríos de Bill Mays, Dena DeRose, Bill Cunliffe, Ann Hampton Callaway, Ted Rosenthal, así como de los cuartetos de Matt Wilson (“Arts and Crafts”) y Ken Peplowski. Desde 2013 también ha estado de gira con el guitarrista belga y leyenda del jazz Philip Catherine, tocando material de su álbum dúo “New Folks” (ACT Records).
Martin Wind has recorded and/or performed with the following artists: Guidon Kremer, Christoph Eschenbach, Mstislav Rostopowitch, Lalo Schifrin, Monty Alexander, Pat Metheny, Clark Terry, Mark Murphy, Slide Hampton, Toots Thielemans, Buddy DeFranco, The Metropole Orchestra, Radio Big Bands Cologne, Hamburg, Frankfurt and Berlin, Michael Brecker, Randy Brecker, Eddie Daniels, Curtis Fuller, Phil Woods, Bud Shank, Johnny Griffin, Bucky Pizzarelli, Mike Stern, Larry Goldings, Johnny Mandel, Frank Wess, James Moody, Hank Jones, John Scofield, Sting, Ann Hampton Callaway, Michel Legrand, Mulgrew Miller, Anat Cohen, Benny Green, Vanguard Jazz Orchestra and others.
Martin Wind is on the faculty at New York University and Hofstra University; he has taught at the National Youth Jazz Orchestra Germany and the Centrum, Stanford, and Litchfield Jazz Camps among others. Martin was commissioned to write music for the American Place Theatre productions of Tim O’Brien’s “The things they carried” (2005) and Jeanette Walls’ “The Glass Castle” (2007). One of his arrangements appeared in the 2014 movie “Love is Strange” feat. John Lithgow and Tony Molina.
Since 2015 he’s been part of the Kennedy Center Honors Gala, backing up world stars such as James Taylor, Reneé Fleming, John Legend, Chaka Khan, Aretha Franklin, Herbie Hancock a.o. En 2018 estrenó su concierto para bajo “Legacy” con la orquesta de su ciudad natal; también ha escrito la sonata “Into the light” para bajo y piano, muchos arreglos, y composiciones originales para el ensamble de bajo y cerca de 100 melodías de jazz y piezas de concierto.